Exposición Virginia Inés Vergara

SHARDS

Exposición del 8 de febrero al 7 de abril.

Inauguración el 8 de febrero a las 7pm en LA Projects

C/ Valenzuela, 8, 1º izqda. Madrid

Nota de Prensa

 

Entrevista con Virginia Inés Vergara

¿Quién fue tu profesor favorito en Hunter College?

Reiner Leist fue muy importante para enseñarme cómo visualizar la fotografía como un objeto que se ajusta a su contenido y concepto. Siempre cuestionaba los mejores métodos de visualización para una imagen, considerando, por ejemplo, cómo cambiaría una vez impresa. En ocasiones proyectamos nuestras fotos en la pared para ver qué funcionaba mejor en términos de escala.

 

Existe un gran debate sobre si los programas de MFA son rentables para los artistas, ¿qué le diría al artista que está pensando solicitar para hacer uno?

Obtuve una gran beca para estudios de pregrado, pero a pesar de eso, una vez graduada acabé con préstamos estudiantiles que todavía estoy pagando. Después, me matriculé casi directamente para hacer un master, y el coste fue importante. Por eso elegí Hunter College, que es una buena universidad pública.

Desde un punto de vista financiero, el MFA tiene muy poco sentido. Es un título necesario para un puesto de arte académico, pero los trabajos de docencia son pocos y no continuados.

Mi programa de tesis fue directamente de la Galería Hunter a una galería comercial en el Lower East Side de Nueva York. Conocí al director de la galería y lo invité a la exposición de tesis. Basado en eso él quiso exponer mi trabajo. Fue un trampolín que me permitió conocer a comisarios y comenzar a establecer un apoyo de galería.

Creo que la mayoría de los artistas eso es lo que se sienten obligados a hacer. No pueden imaginar una vida sin una práctica artística, por lo que obtener un master tiene sentido. Te prepara para toda una vida como artista, incluso si no garantiza la capacidad de financiar tal vida.

Me gradué en 2009, en el momento del colapso del Mercado [stock market], con muy pocas habilidades comercializables pero con títulos que se consideraban de prestigio. Creo que mis compañeros y yo nos sentimos un poco traicionados por "el sistema". Pero era casi un tabú en la escuela de arte hablar sobre el mercado laboral. Y en los Estados Unidos, las principales preocupaciones son siempre el coste de la educación superior y del seguro de salud.

 

¿Qué fue lo que te impulsó a enfocar tu práctica en la fotografía?

Llegué a la fotografía a través de la pintura. La pintura fue una práctica absolutamente natural para mí. Tan pronto como tuve la edad suficiente para sostener un bolígrafo, estaba dibujando, y mis padres vieron el placer que me proporcionaba y me consiguieron los materiales de arte necesarios. Fue totalmente instintivo e increíblemente satisfactorio, pero a medida que crecí, vi que las obras no tenían un discurso conceptual.

Empecé a fotografiar a principios de la década de 2000 porque me permitía obtener efectos que no podía cuando pintaba. EN aquel entonces analógico todavía era la norma. Menciono eso porque el medio era más artesanal, con el procesamiento y la manipulación del cuarto oscuro. La parte artesanal sigue siendo muy importante para mí, lo que se puede ver en mis proyectos actuales. En Shards, por ejemplo, estoy construyendo manualmente el diseño con fragmentos de papel, y para Glass-scapes construí la cámara. Los errores del cuarto oscuro y el dominio de las posibilidades físicas y las limitaciones de mi cámara triple me fascinaban. Así que guardo muchos principios de la pintura en mi trabajo, y con frecuencia he notado que los críticos de arte y los curadores usan el lenguaje de la pintura para describirlo. Recientemente me preguntaron si describiría mis obras como pinturas, y respondí que técnicamente eran fotos, pero me enorgullezco de las asociaciones que he creado entre los medios. La categoría precisa no es tan importante para mí, pero me gusta que puede provocar una conversación. Y, de hecho, todavía pinto como una manera de "mantenerme en forma".

 

¿Siente que el mercado de la fotografía se ha debilitado en los últimos años?

Hoy en día, los fotógrafos a menudo amplían su práctica a otros medios y también hacen videos, o complementan sus exposiciones de trabajo basado en fotografías con esculturas. Recién en la década de 1970 la fotografía se convirtió en una forma de arte. Los artistas no pueden imaginarse una fotografía como un medio de publicación si lo queremos en la galería. Los fotógrafos de arte deben tener en cuenta los mismos principios artísticos que otras ramas de las artes visuales, como la escala, las relaciones con los espectadores, la experiencia artística en contexto.

Tal vez sea más difícil para los marchantes vender fotografías que pinturas o esculturas, ya que no siempre muestran con la misma claridad las habilidades precisas para desarrollar ese trabajo, sin embargo eso también suele ocurrir con el arte contemporáneo en general.

Por otro lado, como las fotografías son generalmente mucho más baratas que las pinturas y la escultura, para los coleccionistas u organizaciones emergentes puede ser una forma más fácil de crear una colección.

 

¿Qué instituciones en su opinión están dando soporte activo a la fotografía?

No encuentro que las galerías e instituciones busquen medios como tales. Tal vez esto sea ingenuo, pero creo que los curadores se sienten más atraídos por los conceptos y las obras visualmente atractivas que por los medios específicos. No parece (ni debería haber) una cuota curatorial. En general, las mejores exposiciones colectivas que he visto, incluían una amplia gama de medios jugando unos con otros. Dicho esto, The Getty realmente ha apoyado seriamente la fotografía, y durante años el Museo Metropolitano de Arte ha estado integrando la fotografía en sus frecuentes exposiciones de trabajos en papel.

La Bienal de Whitney siempre incluye un montón de trabajo “lens-based” (creo que ese es el término ahora) y el MoMA tiene una nueva fotografía cada dos años.

 

¿Cuáles son tus artistas contemporáneos de referencia?

Belkis Ayón

Marta Chilendron

David Hammonds

William Kentridge

Richard Tuttle

Agnes Varda

En cine, las composiciones de color de Almodóvar y los ángulos y perspectivas de Ruben Östlund.

 

¿Cuáles son tus fotógrafos modernos y contemporáneos de referencia?

Helen Levitt

Adoro Hiroshi Sujimoto, toda su obra.

Recientemente, mi amiga Mónica Espinal me presentó a la artista Nicole Franchy, y quedé muy impresionado con su trabajo. Otro artista nuevo del que estoy muy inspirado es Christina Capetillo. La mayoría de los artistas de la escuela de Dusseldorf, Thomas Ruff, Thomas Struth y Thomas Demand.

 

¿Cuánto inspiró su herencia iberoamericana a su práctica?

Creo que siempre fui consciente de la responsabilidad del arte de ayudar a difundir una perspectiva inclusiva y multicultural. Vivo en una ciudad con una gran población hispana. Cuando fui a la escuela primaria en la década de 1990, no nos enseñaron mucho sobre los países que conforman el Caribe y América Latina, fuera del impacto que Colón y los conquistadores tenían sobre ellos. Sabía que la historia política de Chile y la familia de un buen amigo era de la República Dominicana, así que estaba al tanto de la poca cantidad de historia que recibíamos en la escuela. Una vez que me di cuenta de esta realidad, un amigo y yo decidimos estudiar más sobre la historia de otros países hispanos. Creo que esto me atrajo hacia el arte de lugares que tienden a tener menos visibilidad. Trabajé durante aproximadamente cinco años en el Studio Museum de Harlem, una experiencia increíble. Hay tanto arte por ahí que solo ahora está empezando a recibir la atención que merece. Nos debemos a nosotros mismos y a nuestro público aprender sobre el mundo del arte global. Estar mejor informado te hará un mejor artista. Dicho esto, no creo que necesariamente se registre en mi obra de arte, pero estoy pensando en diferentes obras de arte y cuestiones políticas a lo largo del proceso de producción. En este trabajo, Shards_Hard-Edge, estoy inspirado en parte por la geografía extrema del desierto de Chile. En Rhode Island School of Design, donde estudié, tenía un buen amigo de Puerto Rico, cuyo padre era un famoso impresor puertorriqueño, hay una calle que lleva su nombre en Spanish Harlem en Nueva York y cuando murió la bandera se colgó a media asta. Sin embargo, ninguno de nuestros compañeros de clase había oído hablar de él y definitivamente no se le enseñó en la clase de historia del arte contemporáneo. Había una brecha real y pude ver el dolor que causó a mi amigo.

 

¿Cuánto inspiró su vida en Nueva York?

Fue maravilloso crecer en Nueva York rodeado de arte todo el tiempo. Pude ir a una escuela secundaria de artes especializada y tomar clases gratuitas en The Cooper Union. La realidad, sin embargo, es que Nueva York aún confía en su reputación como centro cultural, y para asegurarnos que esta es una de las grandes atracciones de la ciudad es necesario un gobierno que se dé cuenta de cuán intrínsecas son las artes para nuestra cultura y humanidad y las respalde como tales. En Nueva York es posible ver muchas obras increíbles de primera mano, y realmente aprovecho los museos y galerías.

 

¿Considera que la abstracción todavía tiene mucho que decir en la fotografía contemporánea?

La abstracción es más relevante que nunca en la fotografía. La idea de una fotografía como un registro de hechos fue desmantelada hace bastante tiempo, por lo que los artistas que trabajan en el medio se liberan de esa noción y pueden explorar la abstracción al máximo. La fotografía nunca tuvo un "momento" verdaderamente abstracto. Pasó del surrealismo y el precisionismo al arte conceptual. Harry Callahan y la escuela a su alrededor encontraron lo abstracto en la naturaleza, pero nunca se adentraron completamente en el arte no objetual.

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